Samstag, 1. NovemberLink: 
Es war die Wiederentdeckung der Ernsthaftigkeit im Horrorfilm, die Alexandre Ajas zweites Werk Haute Tension auszeichnete. Auch wenn der Plot nicht wirklich zu gefallen wußte, man ist als Horrorfan ja schon dankbar wenn der Mann mit dem Messer sich während der Verfolgung des Opfers nicht vor Trotteligkeit die Beine verknotet. Wie er da dem Slasher die schon längst verlorene Würde des Bösen zurückgab, seinen Protagonisten wieder echte Angst und Verzweiflung zu gestand, das Messer und die Kreissäge wieder zur echten Gefahr für Leib und Leben werden ließ. Keine Frage, dieser Aja würde auch Karriere in Hollywood machen können, das im Horrorgenre dringend eine frische Brise benötigte. Die Altmeister waren inzwischen alterszynisch, beschäftigten sich mit Seifenopern oder schlechten Vampirwestern. Wes Craven engagierte Aja fix für das Remake seiner Hügel der blutigen Augen und, ja doch, Aja wurde für seine Arbeit allerseits gelobt. Obwohl auch sein The Hills have Eyes nicht auf kreischende Teenies verzichten wollte, konnte er sich doch noch ein wenig vom üblichen Mainstream Horror der vergangenen Jahre aufgrund seiner konsequenten Körperlichkeit absetzen. Mirrors ist nun sein zweiter Hollywood Horror, das Remake der außerhalb Koreas wohl eher unbekannten Ringu Variation Into the Mirror.
Salo, das ist Pasolinis Adaption der 120 Tage von Sodom des Marquis des Sades, aber vielmehr noch seine persönliche Abrechnung mit der italienischen Gesellschaft, die das Gebaren des Faschismus nicht nur erduldete sondern nach seiner Auffassung auch mit Gleichgültigkeit gegenüberstand und in weiten Kreisen vielleicht auch heute noch gegenübersteht. 117 Minuten quält er nicht nur die Opfer im Film sondern auch den Zuschauer mit schlimmsten Demütigungen, Folter und erzwungener sexueller Perversion. Wenn auch in einer dem Theater ähnlichen sehr distanzierten Inszenierung. Zensiert, verboten und doch wieder freigegeben, da die künstlerische Wertigkeit Pasolinis Werkes nicht unterschlagen werden darf. Ein wohl seltener Vorgang in der Geschichte des Films und nicht nur deutscher Justiz. Pasolinis Tod wirft bis heute Fragen auf. Von Auftragsmord, der Verwicklung des italienischen Geheimdienst ist die Rede. Fest steht nur, daß Pasolini am 2. November 1975 mehrfach von einem Auto überrollt auf einem Fußballplatz in Ostia aufgefunden wurde. Verurteilt wurde Pino Pelosi, dessen Aussagen immer widersprüchlich blieben. Die Uraufführung des Films fand am 22. November 1975 auf dem Pariser Filmfestival statt. Daß der Film bis heute immer wieder auch mit dem Exploitation- und Horrorfilm in Verbindung gebracht wird, selbst die IMDB führt ihn unter Horror, ist wahrscheinlich eines der größten Mißverständnisse seitdem Filme in Genres eingeteilt werden. Und wenn Bild.de Pasolini als Nacktfilm-Kultregisseur bezeichnet, darf man diesen Umstand schon als Ausdruck purer Dummheit werten. Salo ist eine zum Teil zwar sehr verkopfte, pessimistische Betrachtung einer Gesellschaft, die das faschistische Denkmodell schon mit der Muttermilch eingeflößt bekam und auch gleichzeitig eine Brandrede gegen die Gleichgültig bzw. den unkritischen Umgang gegenüber gesellschaftlichen Systemen. Ein Film dessen Bewertung mir unmöglich erscheint.
„Gehen wir nach Mexiko, da duftet es nach Rosmarin, der Schnaps ist hochprozentig. Da wird es Reis mit Bohnen geben und nichts von dieser Scheiße hier ist dann noch von Bedeutung.“
Was wurde mir in der letzten Zeit nicht alles von der Filmindustrie als spannend verkauft. Die meisten Produktionen konnten dabei zwar mit immer mehr Blut und Gewalt aufwarten, die wirkliche Spannung blieb dabei jedoch auf der Strecke. Die beiden französischen Regisseure Xavier Palud und David Moreau gehen bei ihrem Erstlingswerk Them einen erfrischend anderen Weg.
Samstag, 25. Oktober
Thomas gelangt auf der Suche nach der geheimnisvollen Frau, die er morgens zufällig in einem Park zusammen mit einem älteren Herren fotografierte ins Ricky-Tick. Auf der Bühne gibt die damals in der Szene angesagte Band Yardbirds einen Gig. Das anwesende Publikum gibt sich zuerst zurückhaltend. Als die Verstärker der Band Probleme bereiten schlägt der Gitarrist mit seinem Instrument auf den Verstärker ein, dabei beschädigt er die Gitarre. Er gibt der Gitarre den Rest und wirft den abgebrochenen Gitarrenhals ins Publikum. Plötzlich flippt die Menge aus und stürzt sich auf Thomas, der den weggeworfenen Gitarrenhals an sich bringen kann. Jeder möchte das begehrte Stück für sich haben, Thomas flieht im Getümmel aus dem Club, verfolgt von zwei Gästen, die sich anscheinend nicht so leicht bei der Trophäenjagd geschlagen geben wollen. Im langen Flur zum Ausgang stoßen sie jedoch mit zwei anderen Gästen zusammen und Thomas kommt mit seiner Beute unbeschadet auf den Boulevard. Dort begutachtet er kurz den Gitarrenhals, erkennt die für ihn völlige Wertlosigkeit des Gegenstandes und wirft ihn anschließend weg. Ein Passant, der zufällig in der Nähe steht, hebt interessiert den Gitarrenhals vom Gehweg auf und wirft ihn ebenfalls nach kurzer Begutachtung wieder weg, da er für ihn ohne das Wissen um seine Herkunft ebenfalls nur ein abgebrochener Gittarenhals ist.
Die Coen Brüder haben in ihrer mittlerweile fast 25 jährigen Filmgeschichte gegenüber anderen Regisseuren eher wenig gefilmt. Doch seit ihrem großem Erfolg mit dem großem Lebowski scheinen sie die Schlagzahl in der Filme unter ihrer Regie die Leinwand erblicken progressiv anzuziehen. Die Hälfte ihrer Werke entstand in den letzten acht Jahren und für die nächsten zwei Jahre sind schon vier neue Filme angekündigt. Von den wenigen Ausnahmen abgesehen werfen sie in ihren Geschichten Laien- und Profikriminelle in die Arena, die oftmals an den Unwägbarkeiten des Zufalls scheitern, lassen unbescholtene Menschen unbewußt die Masterpläne der Bösen und Verzweifelten durchkreuzen. Das Chaos welches dadurch entsteht ist die eigentliche Komödie. Die Coens entlarven die Lächerlichkeit der Verbrechen der Kinogeschichte. Nicht zu verwechseln mit dem tatsächlichen Verbrechen. Das ist wichtig, denn nur aus diesem Grund können wir Lachen wenn Gear Grismund sich in Fargo seines Komplizen mittels Gartenschredders entledigt oder Donny Kerebatos in The Big Lebowski an einem Herzinfarkt stirbt. Spielten die Coen Filme auch nur ein Fitzelchen in der echten Welt, uns würde das Lachen im Halse stecken bleiben.
No Country for Old Men ist ein äußerst pessimistischer Film, nicht ein Fünckchen Hoffnung lassen die Coen Brüder aufkeimen. Das verleiht ihm einen realistischen Grundton, der jedoch durchgehend durch die klischeehaften Figuren und Handlungen gebrochen wird. Das macht ihn als unterhaltsamen Genrefilm ebenso wie als Zustandsbeschreibung der amerikanischen Wirklichkeit fast ungenießbar. Er ist ein Kunstobjekt, welches den Zuschauer ständig auf die falschen Fährten lockt, ihm nicht das gibt was er vielleicht erwartet. In seinen einzelnen Szenen die Grenzen der cineastischen Genialität auslotet, in seiner Gesamtheit jedoch ein ziemlicher Kotzbrocken von einem Film ist. Auch wenn es vielleicht die Absicht der Coens war das Kino vorzuführen, beleidigt No Country for Old Men letzten Endes nur den Intellekt des Zuschauers. Was soll er mit so einem Film anfangen, dem ein so wichtiges und selten vorgetragenes Thema wie das Scheitern an der Veränderung innewohnt, der sich jedoch lediglich in seinem eitlen Bruch mit den filmischen und dramaturgischen Konventionen suhlt, dem Publikum eine inhaltliche Tiefe vortäuscht, die er jedoch zu keiner Zeit einzulösen vermag. Es entsteht der Eindruck er mache sich über die Erwartungshaltung seines Publikums lustig. Er gönnt dem Zuschauer auf dem Heimweg nach dem Kinobesuch lediglich die Erkenntnis einen handwerklich perfekten Film gesehen zu haben, dessen nahezu an Arroganz grenzende Selbstverliebtheit ihm jedoch ein emotionales Ereignis verwehrt und allein aufgrund dessen in der großen Langeweile endet.
Ach so, heute ist ja auch der letzte Tag der Frankfkurter Buchmesse. Kein Grund jetzt panisch den nächsten ICE nach Frankfurt zu stürmen, denn außer Katalogen und Broschüren ist dort auch nichts abzugreifen und der Mohammed-Ähnlichkeitswettbewerb der Titanic bekanntlich eh abgesagt. Naja, Ringelnatz, Goethe, Wilde, Verne und selbst Poe kann man sich ja auch zu Hause vorlesen lassen. Ganz kostenlos und 
Die Welt steht mal wieder am Abgrund. Prinz Nuadu, seines Zeichens beleidigter Sohn des einstigen Welt- und jetzt nur noch Elfenkönigs Balor, ist nicht so ganz einverstanden mit dem einst von seinem Vater mit den Menschen geschlossenen Frieden. Kann ja gar nicht angehen, daß die, die eigentlich Anspruch auf die Macht hätten nur wegen des zu befürchtenden Blutvergießens ihr Dasein im Untergrund fristen müssen. Um die Weltherrschaft zu erlangen nimmt er selbst den Tod des Vaters hin. Doch, und das ist nicht nur in dieser Mär der Untergang des Antagonisten, unterschätzt er die Kraft der Liebe. Puh, da könnte man schon gelangweilt abwinken, wenn der Protagonist und seine Helfer nicht so verdammt sympathisch absurde Freaks der Superhelden Welten wären. Allen voran natürlich Hellboy, dieser vom Wunderheiler Rasputin im Auftrag der Nazis beschworene, glücklicherweise von GI's aufgefundene und von Professor Bruttenholm zum Guten erzogene rothäutige Dämon. Der sich seiner Hörner entledigte um ein wenig menschlicher auszusehen. Aber das wissen wir ja schon aus dem ersten Teil an dessen Ende er seine Prinzessin wach küssen durfte. Die Schöne und das Biest lassen grüßen. Da kann man meckern und von altem nur neu Aufgelegtem schreiben wenn man ein böser Zeitgenosse wäre.
Aus dem großem Pool der amerikanischen Exploitation oder besser Sexploitation sticht ein Name immer wieder heraus. Russ Meyer. Nein, ich bin kein Experte was Meyers Filme angeht. Ich habe erst drei gesehen, zu wenig um mir ein halbwegs vollständiges Bild Meyers Schaffens zu bilden. Aber, und das ist jetzt vielleicht ein glücklicher Zufall, stammen Mudhoney, Motorpsycho und eben Faster, Pussycat! Kill! Kill! aus der selben Schaffensphase des Regisseurs. Allesamt wurden im Jahr 1965 abgedreht und könnten inhaltlich nicht verschiedener sein. Während Mudhoney einen tiefschwarzen Blick auf religiös heuchlerische Landeier gewährt, ich glaube im mittleren Westen der USA würde er noch heute für so manchen gelynchten Filmvorführer sorgen können, greift Motorpsycho schon sehr früh das Thema des verrohten und ungeliebten Kriegsheimkehrer auf. John Rambo läßt grüßen und fühlt sich verstanden. Faster, Pussycat! Kill! Kill! hingegen entbehrt einem so deutlichem Subtext, ist vielmehr eine sehr lose Adaption William Wylers An einem Tag wie jeder andere und Truman Capotes Roman Kaltblütig, der im selben Jahr erschien wie Russ Meyers Film.
Natürlich Gewalt und sexuelle Konnotationen en masse. Letztere äußern sich nicht nur in den messerscharfen Dialogen und Onelinern, die ob ihrer leichten Antiquiertheit, die das Alter des Filmes halt mit sich bringt, durchgehend Schmunzler erzeugen. „Would you like a softdrink?“ “Honey, we don’t like anything soft. Everything has to be hard.” Sondern auch in allerhand Symbolen. Der alte Tankwart hat nicht umsonst Schwierigkeiten den Einfüllstutzen an Varlas schwarzen Porsche zu finden. Das ist Meyers unterschwellig galliger Humor, das ist seine Art den Figuren Attribute zu verleihen. Der Tankwart hat sichtlich Spaß an den drei sexy Go-Go-Girls, doch hat es für ihn keinen Sinn auf's Ganze zu gehen. Er hat's halt nicht mehr richtig drauf. Wer aufgrund Meyers Ruf offenherzige Sexszenen erwartet wird enttäuscht, der Großteil des Sex wird durch die Blume transportiert. Da geht es in Sachen Gewalt nicht so zimperlich zur Sache. Schon bald nach der ersten Attraktion des Filmes, einem rassigem Catfight – ja, einen gewissen Humor und ausgeprägten Hang zum Pulp muß der Zuschauer schon mitbringen - wird Ratz Fatz das erste Genick gebrochen „I never try anything. I just do it.“. Keine Kompromisse, wir befinden uns in der Welt der Exploitation und in der ist Russ Meyer eine ganz große Nummer. Nicht nur weil er mit den Konventionen bricht, nein Faster, Pussycat!... läßt uns an seinem filmischen Können im vollen Umfang teilhaben. Meyer holt aus dem in nur vier Tagen entstandenen und sehr, sehr dünnen Drehbuch mehr heraus als man erwarten könnte. Weiß die Sensationen dramaturgisch ungemein virtuos zu inszenieren. Kamera, Schnitt, Soundtrack. Tempo, Gewalt und Sex. Alles aus einem Guß. Der Film macht unwahrscheinlich Spaß. Er bedient sich nicht der Popkultur, er ist Popkultur. Waschechtes Grindhouse, kein ambitioniertes auf B-Movie gebürstetes Kunstkino, auch wenn man schnell diesem Irrglauben auf Grund der handwerklichen Qualität verfallen könnte.
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